CHRONIK > AUSSTELLUNGEN > 2022

Anne Rosinski | Ines Hofmann | Effi Mora | Uta Rolland | KENDIKE Henrike Terheyden | Petra Wilhelm | Paula Huhle | Nazanin Zandi | Rosa Brockelt | Johanna Failer | Annette v. Bodecker | Nadine Wölk | Xenia Gorodnia | Yini Tao | Susanne Schrader |  Annij Zielke | Ella P. | Luisa Stenzel | Masha Alizadeh | Elena Pagel | Anne Ibeling | Anja Maria Eisen | Antje Dennewitz | Daniela Veit | Johanna Failer | Liane Hoder Illustratorinnen

Vernissage: Freitag, den 25.11.2022, 19.30 Uhr

Einführung: Nazanin Zandi

Musik: Duett Akzent

Mit Unterstützung des Künstlerbundes Dresden e.V.

Finissage: Samstag, 14.01.2023, ab 15.00 Uhr

Offene Mal- und Zeichenrunde für Groß und Klein unter Anleitung von KC Wagner (Fotograf) und Effi Mora (Illustratorin)

Es sind keine besonderen Fähigkeiten oder Vorkenntnisse erforderlich. Jeder kann kommen und in entspannter Atmosphäre drauf los malen.

Audio-visuelle Performance plus Tänzerin von der Kombo namens ULPH & SOL (Philipp Hille, Ulrich P und Vivi Sol).

Einleitung

Christiane erinnert sich, wie sie mit ihrer besten Freundin „Vater, Mutter, Kind“ spielte und ihren Kater in den Kinderwagen setzte. Sie spazierten los, der Kater lag in seinen Puppenkleidern und schlief. Ein Auto fuhr vorbei, der Kater sprang erschrocken mit einem Satz heraus: Zwei Frauen kreischten los.

Ein Kinderstreich, der schmunzeln lässt. Lebensmomente wie dieser aus der Kindheit, Jugend und aus dem Erwachsensein kennen Viele. In den Comic-Kursen „Wandelsterne“ ermunterten Nazanin Zandi und Elena Pagel Frauen, ihre Erinnerungen zu erzählen und zu illustrieren. Mit Hingabe, Kreativität und Neugier verbildlichten die Teilnehmerinnen ihre Lebensmomente. Die Bildergeschichten sprengten die Sprachgrenzen. Ihre Geschichten erzählten die Frauen in ihren Muttersprachen (Arabisch, Dari, Deutsch, Englisch, Italienisch, Persisch, Russisch, Spanisch, Französisch), die Graphic Novels bedurften keiner Worte.

In unseren Kursen (2018-2020) sammelten wir über 600 Geschichten aus der Kindheit und Jugendzeit, über die Liebe, über die Angst, über Alltagsrituale und über das Leben in Dresden. Diese Momente zeigen den gemeinsamen Alltag auf. Sie verdeutlichen die Ähnlichkeiten im Leben der Frauen, denn diese machten die gleichen Erfahrungen in einzelnen Lebensabschnitten, vollkommen unabhängig vom Geburtsort. Sie zeigen aber auch die gesellschaftlich bedingten Unterschiede auf, wie die Geschichte von Leila, die als erste Frau in ihrer Stadt in Afghanistan den Führerschein machte.

Kunst öffnet Welten. Immer wieder erlebten wir in unseren Kursen die Wahrheit dieses Satzes. Um einen großen Tisch zusammensitzen, einen Stift in der Hand, das Papier vor sich liegend, waren alle Hemmschwellen gefallen. Wir zeigten die unterschiedlichsten Arbeitstechniken im Comic und Graphic Novel Bereich auf, bildeten in der Farbenlehre und Papierqualität aus, unterrichteten in der Wahrnehmung und Bildaufteilung. Die künstlerisch-bildliche Gestaltung der Geschichte konzentrierte sich auf die wichtigsten Punkte der Erzählung. Die Geschichte wurde strukturiert, wobei jede Frau ihre eigene Aufteilung kreierte.

Kunst schafft Vertrauen. Einblicke in das eigene Leben zu geben, ist keine Selbstverständlichkeit. Menschen, die wir länger kennen, öffnen wir den Zugang zu unserer Vergangenheit, aber nicht kurzen Bekanntschaften. Die Möglichkeit, über das Zeichnen etwas von sich zu erzählen, wird jedoch von allen angenommen.

Kunst bildet. Die künstlerische Bildung in den Kursen setzten die Frauen sofort beim Illustrieren ihrer Geschichten um. Sie berichteten ihren Freundinnen davon, die dann beim nächsten Kurs mitmachten. Sie zeigten in ihren Familien die Arbeitstechniken auf und regten an, ebenfalls zu erzählen und zu illustrieren.

Kunst verbindet. Für das vorliegende Buch suchte eine international besetzte Jury 47 Lebensmomente aus. 26 Dresdner Illustratorinnen und Künstlerinnen griffen im Projekt „LebensBILD. Biografische Begegnungen“ diese Episoden auf und illustrierten sie in ihrem eigenen Stil. So ist jede Doppelseite des Buches Ausdruck der Vielfalt Dresdens: Die Lebensmomente der Frauen sind links auf Deutsch und in der jeweiligen Muttersprache abgedruckt; auf der rechten Seite findet sich die dazugehörige Illustration einer Künstlerin oder Illustratorin. Einige Beispiele aus den Kursen wurden anschließend abgedruckt. „STIMMEN“ macht neugierig.

Dr. Verena Böll

Projektleiterin „LebensBILD – bioGrafische Begegnungen“ 2020

Autorinnen der Geschichten zum Buch „Stimmen“ Sandstein Verlag 2022

Hala Alshehawi

Hedwig Liebert

Kristina Britt Reed

Uta Rolland

Margarita Ohngemach

Petra Wilhelm

Sylvia F.

Angela Zandi

Anna Alice Anzelini

Nazanin Zandi

Fereshteh Rafieian

Zahra Arab

Alaleh Mirhajivarzaneh

Elena Pagel

Katharina Schmidt

Uta Rolland

Jula Giese

Uta Grahn-Jentsch

Masha Alizadeh

Ella P.

Shima Zenouri

Leila Seied

Christiane Zeidler

Juli Weg

Rodina Jomaah

Anett Lentwojt

Christiane Zeidler

Uta Grahn – Jentsch

Sara Zolghadr

M. Asa

Viktoriya Burlak

Milla N.

Tatiana Korneva

U S Buchart bereitet die Zuckerwatte der bürgerlichen Existenz zu und spart dabei nicht an toxischen Inhaltsstoffen. Ihre popkulturellen und erotischen Motive bauscht sie mit einer wäßrigen Acryltechnik auf, die zunächst einmal in die Irre führen. Gerne stilisiert sie Lebensmittel zu Fetischen, die den möglichen Konsument*innen im Halse stecken bleiben. Genauso passert es auch mit anderen, mehr visuellen Accessoires, wie den süffisant sexualisierten Gartenzwergen ihrer Siebdruckserie „Im Vorgarten der Lust“. Doch so abgründig Bucharts Idyllen auch daherkommen mögen, Humor ist stets Teil des Menüs. Dadurch, so erklärt sie, würden moralische Botschaften subtiler transportiert. Auf das verdauliche Maß von Gartenzwergen geschrumpft sozusagen.

Der von U S Buchart gewählte Titel „Jamaica Inn & out“ verweist zuallererst auf den gleichnamigen Film (Jamaica Inn, 1939) des Regisseurs Alfred Hitchcock, in dem eine Bande sinistrer Gesellen mit falschen Signalfeuern Handelsschiffe auf das in Cornwall gelegene Riff locken, um so ihre Ladung zu plündern. Angestiftet und für seine Pläne ausgenutzt durch den ebenso verschlagenen wie dekadenten Adeligen, Sir Humphrey, Lord of Pengallan. So steht auch bei den präsentierten Malereien und Grafiken von Beginn an die Frage im Raum, worauf wir achtgeben sollten, wenn wir von den spannungsgeladenen und farblich üppigen Arrangements von Bucharts Bildern gelockt, verführt und eingeladen werden. Ihre Malerei ist geprägt von einer überzeugenden technischen Raffinesse im Farbauftrag, sodass wir als Betrachter*innen schnell die Orientierung verlieren. Denn schon auf den zweiten Blick offenbart sich die Düsternis, die sich in der ungewohnten Farbtiefe und den scheinbar unschuldigen Motiven verbirgt.

Text: Johannes Scheding

Vernissage: Samstag, den 24.09.2022 | ab 12.00 Uhr, offenes Ende

Einführung und Künstlerinnengespräch: 17.00 Uhr | Susanne Magister [Kunsthistorikerin]

Die Künstlerin ist von 15.00 – 18.00 Uhr

Nach einer kurzen Arbeitphase im Raum der galerie drei im Jahr 2019, auf Einladung von Ines Beyer im Rahmen ihres Projektes Zwischennutzung, möchte ich 2022 in einem wiederholten Aufenthalt meine Arbeiten fortsetzen und ausbauen. In meinen Video- und Fotosequenzen nehme ich Bilder aus festen Perspektiven über längere Zeiträume auf. In die Dauer der Sequenzen und in den Zeitversatz der Fotografien werden sowohl die aktuellen Zustände als auch die Veränderungen des Motivs eingeschrieben. Die Gegenwart und die Zeitspanne erzeugen zwei Zeit-Bild-Möglichkeiten, die sich in meinen Aufnahmen überschneiden und überlagern. In Form einer medialen Umkehrung lasse ich das Allmähliche und die Dauer in den Fotografien sichtbar werden. Das Gleichzeitige und der Moment erscheinen zentral in meinen Video-Bildern.

Über den Projektzeitraum werde ich im Galerie-Raum, in den Fensterausblicken und in Gegenständen die Motive meiner regelmäßigen Aufnahmen finden. Im Beobachten und in Versuchen erarbeite ich eine Auswahl, die ich zu Foto-Abläufen und Video-Flächen zusammenstelle. Mit den in der Galerie sichtbaren Präsentationen möchte ich das Gedächtnis und die Abstraktionsleistung des Vergleichens provozieren und in ein aufmerksames Betrachten führen. Das Sehen kann sich vom Ereignis lösen und in einen bewußten Prozess der Zeitwahrnehmung übergehen. Ich lade die Besucherinnen und Besucher ein, meiner Tätigkeit eine Zeit lang zu folgen und sich in die Struktur meiner Arbeiten einzulassen.

1. / 3. /  8. /  10. /  25. August 2022 | 15.00 – 18.00 Uhr Gesprächsmöglichkeiten mit der Künstlerin | Individuelle Vereinbahrungen zum ABSCHLUSS 05.-09.09.2022 nach telefonischer und Email-Vereinbarung 0177-8010001 | martinawolf@gmx.de

Finissage: 08.09.2022, 14.00 – 20.00 Uhr

Erklärung zum Projekt Handlungsraum seit 2020

HANDLUNGRAUM

bedeutet die Fokussierung der Förderung der zeitgenössischen Kunst von Frauen, deren Arbeit sich vorrangig im konzeptionellen Bereich wie auch in den neuen visuellen Medien bewegen und deren Inhalte von übergreifenden Themen geleitet sind. Dabei verlegt die eingeladene Künstlerin ihre künstlerische Arbeit für einen bestimmten Zeitraum in die Galerie, d.h. in die öffentliche Wahrnehmung und gewährt so interessierten Besuchern einen Einblick in die Prozesse ihres künstlerischen Denkens und Handelns. In persönlichen Gesprächen mit der Künstlerin zu den ausgewiesenen Öffnungszeiten können so die Vorgänge mit verfolgt werden und ein Verstehen dieser Kunstformen bewirken. Auch für die Akteurin bedeutet diese Arbeitsform eine interessante, künstlerisch anregende Auseinandersetzung und eröffnet neue Sichtweisen.

Vernissage am Freitag, den 20.05.2022, 19.30 Uhr

Einführung: Teresa Ende [promovierte Kunsthistorikerin]

Finissage und Künstlerinnengespräch: Samstag, den 02.07.2022, 15.00 Uhr

Ute Hartwig-Schulz

*1963 in Berlin

studierte von 1986 bis 1991 an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden Bildhauerei und Plastik und schloß 1995/96 noch ein Meisterschülerstudium an. Ihre künstlersichen Aktivitäten spiegeln sich in der Initiierung wie auch Teilnahmen von/an zahlreichen regionalen, überregionalen wie interantionalen Ausstellungen und Projekten.

Das kleine Dorf Prößitz ist seit vielen Jahren ihr Arbeits- und Lebenszentrum, bekannt auch als Künstlergut Prößitz in freier Trägerschaft mit einem weit über die Grenzen reichenden herausragenden Ruf für spannende Symposien und künstlerische Projekte, dass die Künstlerin als kreativer Kopf dieses Ortes mit sehr viel Engagement seit vielen Jahren betreibt, um „Möglichkeitsräume für viele Kunst- und Denkprozesse unserer Gesellschaft zu schaffen.“  Christine Dorothea Hölzig

D U R C H R E I S E – mit diesem Ausstellungstitel verweist die Künstlerin auf  ihre eigene Lebensreise.

Christine Dorothea Hölzig reflektiert es so:

„Der Lebenskreislauf in all seinen Stationen. Die Künstlerin Ute Hartwig-Schulz schafft bildhauerische und installative Kompositionen, die Vorstellungen von den Kräften und Verlusten der Gegenwart evozieren.“

„In den Skulpturen, Plastiken und Installationen findet sie sinnbildhafte Motive für ihre Fragen nach einer Standortbestimmung. Diese münden in der Suche nach dem heutigen Platz der Weiblichkeit, ihrer Autonomie und darin eingebettet der Mutterschaft; ihrer Kräfte und Wirkungen in der Gesellschaft stets als Vergegenwärtigung und auch Konkretisierung des eigenen Selbstverständnisses.“

Die Künstlerin Ute Hartwig Schulz selbst beschreibt ihre künstlerische Position wie folgt:

„Seit Urzeiten benutzen die Menschen Materialien der Erde, wie Steine, Tone und Metalle, um sich auszudrücken und sichtbare Spuren zu hinterlassen. Diese Materie hat ihre ihre Gesetze. Alles Materielle bleibt durch eine gewisse Festigkeit und Stabilität auf der Erde bestehen.

Der Mensch hat es gelernt, sich im Gleichklang mit dieser Materie zu verhalten. Wenn es um figürliche Plastik geht, spiegeln sich auch darin die Gesetze der Natur wider. Die bildliche Darstellung des Menschen muss genauso stabil, fest und sicher stehen können. Oder liegen, oder sitzen.

Tut sie es – gewollt -nicht, dann drückt sich darin etwas Unheilvolles, Schwankendes oder Gefährdetes aus.

Figürliche Themen wie „Stehen, Sitzen und Liegen“ kann man analog als Statik des Menschen begreifen. Als Architektur des Menschen.

Dies ist die Grundlage oder das Handwerkzeug für figürliches Gestalten und meint übertragen ein Fundament für Mensch (lichkeit).

In der Menschheitsgeschichte hatten auch die Bildhauer eine herausragende und wichtige Bedeutung für den Transport von Wissens- und Kulturvermittlung.

Bilder sind wichtig für den Menschen und seine Auseinandersetzung mit der Zeit. Gestern, Heute und Morgen.“

Matinée: Sonntag, den 10.04.2022, 11.00 – 16.00 Uhr

Vernissage: Freitag, den 25.03.2022, 19.00 Uhr

Einführung: Maren Marlzinger [Kunsthistorikerin]

Künstlerinnengespräch: Samstag, den 07.05.2022, 15.00 Uhr

Die Ausstellung ist ein Kooperationsprojekt der Dresdner Sezession 89 e.V. mit SALOON. Maren Marzilger – Kunsthistorikerin, Kuratorin und Galeristin sowie engagiert im Vorstand des SALOON Network Dresden – realisiert in und mit der ‚galerie drei‘ der Dresdner Sezession 89 e.V. eine von ihr kuratierte Ausstellung zweier Künstlerinnen – Anna Myga Kasten und Keren Shalev, die sich erstmalig mit ihrem Werk in einer gemeinsamen Präsentation hier in Dresden begegnen und konfrontieren. Beide arbeiten in den gleichen künstlerischen Medien Zeichnung und plastisches Objekt. Beide bewegen sich in der ‚Sprache‘ des abstrakten Formalismus und zugleich bildnerischer Poesie. Die Herangehensweisen und Prozesse hingegen unterscheiden sich und werden in den folgenden Statements von den Künstlerinnen selbst beschrieben:

Keren Shalev [Statement 2021]

*1982 in Israel / u.a. Studium der Bildhauerei am Hagalil Hama’aravi College, Akko, Israel, in B. A. Fine Arts, Universität Haifa, Israel, in B.A. Museumskunde, Hochschule für Technik und Wirtschaft Berlin

„Der Ausgangspunkt meiner Arbeit ist die Achtsamkeit auf die formalen Qualitäten der Komponenten, mit denen ich arbeite: die Materialien, der Raum, ihr Gewicht, ihr Maßstab, ihr Widerstand, ihre Dynamik, ihre Wechselwirkungen und so weiter. Ich untersuche diese Qualitäten aus meiner persönlichen Perspektive und meiner Erfahrung mit ihnen und sie rufen mentale Bilder in mir hervor. Diese Beziehung zwischen Formalismus und der poetischen Ebene pflege ich weiter, bis sich eine feste und klare Vision konsolidiert hat. _ Die mentalen Landschaften und Materialien, zu denen ich mich meist hingezogen fühle, sind industriell, haben aber eine organische Dynamik, sind sentimental, entlegen und taktil. _ Die Logik in meinen Arbeiten korrespondiert oft mit der Logik in der Welt der Wissenschaft und der Literatur.“

Anna Myga Kasten [Statement 2021]

*1977 in Rahden (Westfalen) / Studium der Freien Kunst an der HBK Braunschweig mit Schwerpunkt Bildhauerei und Rauminstallation, unter anderem bei Hartmut Neumann, Johannes Brus, Christoph Schlingensief und Raimund Kummer / Meisterschülerin von Johannes Brus

Neben kleineren, meist in Serie entwickelten Objekten und Zeichnungen entstehen vor allem großformatige Installationen. Materialien wie Gummi, Planen, Folien und Textilien werden in meiner Arbeit zu formgebenden Hüllen, die sich – gefüllt mit Luft, Wasser, Sägespänen oder Schaumstoff – zu raumgreifenden Objekten entwickeln. Für ihre Herstellung benötige ich große Räume, die mir oft nicht zur Verfügung stehen. Das Arbeiten auf beengtem Raum führt zu einer besonderen Nähe. Die Verarbeitung von sperrigem, zum Teil schwerem Material bringt mich an physische Grenzen. Diese bewusst gewählten Behinderungen, ob durch Material, Format, Gewicht oder spezielle Arbeitsbedingungen, entwickeln oft eine Eigendynamik, die maßgeblich an der Formfindung beteiligt ist. _ Ich arbeite ohne konkrete Ahnung vom Ergebnis. Erst während des künstlerischen Prozesses entstehen Vorstellungen von Formen, denen ich solange nachgehe, bis sie von neuen überlagert werden. Entscheidend ist dabei für mich, was in deren Schnittmenge passiert. So entstehen Objekte, die zwar viele Assoziationen ermöglichen, sich aber einer eindeutigen Erkennbarkeit – und damit endgültiger Zuordnung – verweigern.

Keren Shalev

1982, Israel

Korsörer str. 17, 10437 Berlin

+491577-0279959

kshalevify@gmail.com

www.shalevkeren.com

Ausbildung

2014 – 2015    B.A. Museumskunde, Hochschule für Technik und Wirtschaft Berlin, Deutschland

Praktikum in Nordenhake Galerie, Berlin Praktikum in Circle 1 Galerie, Berlin

2009 – 2010    Lehrdiplom der Künste, Kibbutzim College of Education, Tel Aviv, Israel

2004 – 2009    B. A. Fine Arts, Universität Haifa, Israel

2003 – 2004    Kurse in Bildhauerei, Hagalil Hamaʼaravi College, Akko, Israel

1997 – 2000    Gan-Nahum-Gymnasium, Abschluss mit Erlangung der Allgemeinen Hochschulreife und der

Technologischen Hochschulreife in plastischer Kunst, Rischon LeZion, Israel

Einzelausstellungen

2021    nothingness one piece ̇ two elements, Alte Feuerwache Loschwitz, Dresden ̇

2019    Silence & Structure, Tête, Berlin

Self Reflection on Homeostasis, 48 Stunden Neukölln, Berliner Berg Brewery, Berlin

Ausstellung mit Jungekunstberlin, Bristol Hotel, Berlin

2018    Hiding in foreign shadows, under buildings and in between, unperceived existence-Shush gallery

2017    Boat Wreck, Helmut, Leipzig 2016 Constructions, 48 Stunden Neukölln, Gordon, Berlin

2015    Consolidated-Scattered, Plateau gallery, Berlin 2012 Dark Chamber, Fuc Bar, Berlin

2011    Artist Wall, Rishon Lezion municipality, Israel

Zwei Personen Ausstellungen

2022    mit Anna Myga Kasten, Galerie Drei, Dresden

2018    Bilinguale Lautskulptur – Performance mit Mirjam Dorsch, Verlorene Zeit, Berlin

2017    Gentle Destructions, exhibition with Zorka Wollny, Flugwerk, Berlin

2016    Ein Ort des Jetzt, Installation mit Stephan Sitaras, Ruberoid Festival, Acud macht neu, Berlin

2014    Running man – Performance mit Udi Berner, ́Reconstructing Realityʼ- T Berlin, Berlin

Running man – Performance mit Udi Berner, Hachalalit gallery, Tel Aviv

2013    Peaceful burning – Performance mit Udi Berner, Greenhouse, Berlin

Peaceful burning – Performance mit Udi Berner, Kunst im Haus- Die Teatrale, Berlin

Gruppenausstellungen

2020    mit EDGE Neuroscience-Art, Online, Artsteps

2019    Broken spaces, Tapir gallery, Berlin

Konkret, Alte Feuerwache Loschwitz, Dresden

Enclaves, Monopol, Berlin

ZUKUNFTSVISIONEN 2019, Görltz

Kunstsalon, Berlin

2018    Das Kapital collection, SchauFenster Gallery, Berlin

The Abstract View, Junge Kunst Berlin, Stiftung Starke, Berlin

Berlin Inc., Artspring, Hugo Mayer Studio, Berlin

SCHAUfenster à la Art, Kunstpreis des Landkreises Alzey-Worms, Wörrstadt

2017    Fremde Werte, Galerie Drei, Dresden

Kostbarkeiten, Rathaus Marzahn, Berlin

Capriccio, Haus am Kleistpark, Berlin

Kunstgäste #6, Kulturbunker, Köln

Performing Arts Festival Berlin, K77, Berlin

Souvenir ‒ Ein Stillleben, Art Vending Machine, Jewish Museum Berlin

KunstBoulevard, Boulevard Berlin, Berlin

2016    XXS Xmas, Blue Berlin art space, Berlin

Berlin art week exhibition-„50 Contemporary artists“- EAF, Berlin

Erde, Stahl & Leuchten, Hinterm Spaeti, Berlin

Heimat – Identifikation im Wandel, Künstlerverein Walkmühle e.V., Wiesbaden

2015    Roundabout- ID Festival, Radialsystem V, Berlin

Don´t call it a context, Kreuzberg Pavillon, Berlin

2014    Danalogue- Crossing Borders, Infarm, Berlin

2013    Kunst im Haus- Die Theatrale, Berlin Art Shifting Festival, live painting, Santa Monica, Barcelona

2012    KreuzbergKalender, On-line exhibition, Berlin Twin cities, Brasov

2010    It’s Called Culture, Abracsas, Tel Aviv It’s Called Culture, Bass, Jerusalem

2009    Without a name, University of Haifa,

Israel Skulpturen im öffentlichen Raum

2019 -21   Illusionary/ real encounter on the shore, Schlosspark Stammheim Kunst 2019, Köln

Schiffswrack, Max Planck Institut für Bildungsforschung, Berlin (permanente Skulptur)

2018-19    Schiffswrack, Schlosspark Stammheim Kunst 2018, Köln

2017-18    Schiffswrack, Schlosspark Stammheim Kunst 2017, Köln

2015-16    Schiffswrack, Radial System V, Berlin

Kunst am Bau

2021    Nachhaltige Dynamik, Paavo-Nurmi-Grundschule, Berlin

Kuration

2019    Extended Matter, Becher Triennale, Berlin Glas e.V, Berlin

Enclaves, Monopol, Berlin

CV Keren Shalev als PDF

Anna Myga Kasten

geboren am 27.11.1977 in Rahden (Westfalen)

Xantener Str. 16

10707 Berlin

(+49) 176-92341596

anna-myga-kasten.info

2000 – 2006     Studium der Freien Kunst an der HBK Braunschweig Schwerpunkt

Bildhauerei und Rauminstallation, unter anderem bei Hartmut Neumann,

Johannes Brus, Christoph Schlingensief und Raimund Kummer

2007                  Abschluss als Meisterschülerin von Johannes Brus

Während des Studiums Förderung durch die Studienstiftung des deutschen Volkes.

2010                  Goldrausch-Künstlerinnen Stipendium Berlin

2014                  KIK – Stipendium, Cuxhaven

2012 – 2016     Bühnenbildassistenz bei Prof. Raimund Bauer, Wilfried Minks u. anderen

2016 – 2018     Co-Produktion mit der Künstlerin Chiharu Shiota an der Oper Kiel.

Bühnenbild zum „Ring Teil 3 und 4“ von Richard Wagner

lebt und arbeitet  als freie Künstlerin und Bühnenbildnerin in Berlin

Einzelausstellungen (Auswahl)

2018               Dinge die fliegen wie Schiffe/ Kunstraum Tosterglope

2017               Killing letters (installation+performance) / Prokk UP – art festival, Aarhus

2016               Retrospektive in 3 Stunden / Projektraum 2025, Hamburg

2012               schwimmen-stop-fliegen, Galeria Masterskaya alta lingua,

St. Petersburg, Russland

Ausstellungen und Bühnenbildprojekte (Auswahl)

2022               mit Keren Shalev „Offene Ecken“, Galerie drei, Dresden

Prototypen-Muster und Visionen, Städtische Galerie, Dresden

2020               Jubiläumsausstellung 25 Jahre Atelierhaus Panzerhalle

Kommunale Galerie Berlin-Wilmersdorf

2020               Filmprojekt in Co-Produktion mit Daniel Janik am Kleist-Forum in Frankfurt/Oder zu Homers „Odysee“

2019               Bühnenbild zu „4000 Tage“von Peter Quilter

Regie: Boris Aljinovic / Tourneetheater Landgraf

2018               Enzyklopädie des Zarten/ Galerie am Körnerpark, Berlin

2017               surfing the great tsunami /  Ausstellungsreihe mit 3 Ausstellungen:

Hamburg – Aarhus – Holstebro

2016               scope between furthermost points/ Nachtspeicher 24, Hamburg

2015               this is how we walk/ Kunstquartier Bethanien, Berlin

Wir wollen hier raus/ Ausstellung in der ehemaligen JVA Magdeburg

2014               Archaea / Beton Art Space (Artist-Run-Festival), Kopenhagen

Hotel Rix, Kunstprojekt 48 Stunden Neukölln, Berlin

2013               Drei Punkte / Vorwerkstift, Hamburg

Bühnenbild zu „Vestiges“/ Text und Regie: Rayka Kobiella

Secret Theatre, Brooklyn, NY

2012               Wanderausstellung der Clarke-Gallery / Newfoundland-Birmingham-Brooklyn

CV Anna Myga Kasten als PDF

„Christine Ebersbach vermittelt ihre Erlebniswelt auf eine einfache und eindrückliche Art. Die Bildwelten der Leipziger/Wurzener Künstlerin entführen den Betrachter in ungewöhnliche Landschaften, deren Charakteristik auf typisch nordische Sujet’s schließen läßt. Neben einer Reihe vor Ort entstandener Aquarelle zeigt sie großformatige Acrylbilder und ebenso große Farbholzschnitte. Christine Ebersbach gehört zu den wenigen Künstlern/Künstlerinnen, denen es gelungen ist, sich diese druckgrafische Technik auf eine individuelle und sehr malerische Art und Weise anzueignen. Wir finden in ihren Farbholzschnitten die strenge und doch offene Komposition ihrer Gemälde wieder, aber der Farbauftrag scheint so, als ob sie mit dem Holz male. Sie setzt die Perspektive bewußt und gekonnt als primäres Ausdrucksmittel ein, der Betrachter wird mitunter tief in das Bild hineingezogen, dabei stehen oftmals einer betonten Zentralperspektive parallele Halt-gebende Strukturen entgegen.“

Hanif Lehmann 2022

„Früh rückte, entscheidend für den Fortgang des Werkes insgesamt, der Holzschnitt ins Zentrum ihrer Aufmerksamkeit. …

Die Konstellation des Ausblicks ist wie verewigt, fast metaphysisch, als ginge es um eben jene Schwebe der Möglichkeiten als Bedingung des Sehens auf der einen und der Bildform auf der anderen Seite. Denn in der Fläche zu arbeiten, heißt für Christine Ebersbach unbedingte Distanz zu illusionistischen oder gestischen Attitüden, zum „Ereignis“ schlechthin. Die Statik des Bildmediums ist auch die der bildnerischen Ordnung, darüber hinaus wird nichts versprochen. Und so ist es mit den Ausblicken ihrer Landschaften: Sie versprechen nichts als die reine Zuständlichkeit dessen, was unmittelbar zu sehen ist, diese wirkt streng hermetisch, statt Versprechen gilt Präsenz. Eine solche Haltung ist weit entfernt von herkömmlicher Naturromantik und –liebhaberei.“

Dr. Katrin Arrieta – Direktorin Kunstmuseum Ahrenshoop

Vernissage: Freitag, den 28.01.2022, 19.00 Uhr

Laudatio: Hanif Lehmann

Künstlerinnengespräch: 12.03.2022, 15.00 Uhr

Statement

Mich interessiert, dass Natur durch Eingriffe des Menschen zur gestalteten Landschaft wird, wie sich Menschen in der sie umgebenden Natur einrichten, mit welchen großen oder kleinen Eingriffen gebändigt, erschlossen, genutzt wird. Mich interessieren Brücken, Straßen, Zeichen, Gebäude – teils in Gegenden, wo man sie nicht vermuten würde.

Mich interessiert aber auch Natur, die den Eingriffen der Menschen Grenzen setzt.

Christine Ebersbach

1954             Geboren in Strelln

1960-1972    Schulbesuch in Halle, Abitur

1973-1978    Studium an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig bei Prof. Dietrich Burger und Prof. Rolf Kuhrt

1978-1991    freiberuflich tätig in Leipzig

1991-1995    Arbeit in einer kulturpädagogischen Einrichtung

1993             Umzug nach Wurzen

2007             Unterricht an einer Berufsfachschule in Leipzig

seit 1995    freiberuflich tätig in Wurzen

Preise und Stipendien

1992           3. Preis des Kunstvereins Eisenturm, Mainz

1999          Gellertpreis des Landkreises Delitzsch für Bildende Kunst

2004         Preis 100 Sächsische Grafiken,

2014          Karl-Krug- Preis der Grafikbörse Leipzig

2016          Preis 100 Sächsische Grafiken

1990/2002   2-monatiger Arbeitsaufenthalt im Wilke-Atelier des Freundeskreises Paul-Ernst-Wilke, Bremerhaven

2007         Stipendium im Künstlerhaus Lukas, Ahrenshoop, gefördert durch das Land Mecklenburg-Vorpommern

2008/2012  Arbeitsstipendien im Künstlerhaus  Svolvær/Lofoten, Norwegen, gefördert durch die Aldegrever-Gesellschaft Münster

2015          2-monatiges Stipendium des Vereins artbellwald in Bellwald (Schweiz)

Arbeiten in öffentlichen Sammlungen

Museum der bildenden Künste Leipzig

Staatliche Kunstsammlungen Dresden

Kunstmuseum Ahrenshoop

Deutsche Bundesbank

Lichtwer-Gymnasium Wurzen

Kulturhistorisches Museum Wurzen

Staatliches Museum Schwerin

Neue Sächsische Galerie Chemnitz

Krankenhaus Grimma

Arbeitsamt Oschatz

Verbundnetz Gas AG Leipzig

Sparkasse Leipzig

IKB Deutsche Industriebank AG Leipzig

Kulturstiftung Rügen

GRASSI Museum für Angewandte Kunst Leipzig

Kunstsammlung der Sächsischen Landesärztekammer

Kreismuseum Grimma

Kunstmuseum Reutlingen

Christine Ebersbach

Färbergasse 20

04808 Wurzen

Tel.: 03425925695

chr.w.ebersbach@gmail.com

Hinter dem Ausstellungsthema stehen Überlegungen zum globalen Klimawandel und Artensterben, zu gene-tisch veränderten Organismen und zur Ausplünderung irdischer Ressourcen. In ihren Werken reflektieren die vier Sezessionistinnen insbesondere die Auswirkungen menschlichen Handelns auf unsere Biosphäre und Gesellschaft.

Eine wesentliche Werkgruppe im Oeuvre der Künstlerin Christa Donner bilden farbig gefasste Terrakotta-Plas-tiken typisierter Protagonistinnen. Für die aktuelle Ausstellung verarbeitet sie ihre unmittelbaren, in den Land-kreisen Meißen und Erzgebirge erlebten Naturwahrnehmungen als miniaturisierte keramische Reliefs. Schritt-weise entwickelt die Künstlerin aus einzelnen Tonpartikeln realistische und zugleich imaginierte Landschaften. Ihre sanften Ebenen und weiten Himmel in pastellenem oder erdigem Kolorit sind auch als Orte der Innerlichkeit und Empfindsamkeit zu verstehen.

Im Medium kolorierter Kaltnadelradierungen formuliert die Plastikerin Heidemarie Dreßel erste Bilderfindungen und Entwürfe für raumgreifende sozialkritische Installationen und Objekte. Ihre Terrakottareliefs weisen organische, fluide Formen auf, als seien sie natürlichen Ursprungs. Doch bei genauer Inaugenscheinnahme werden archaische, kulturgeschichtlich überlieferte Grundformen sichtbar. Die Künstlerin nutzt dabei grobkörnige keramische Oberflächen, die sie in Rillen und Furchen bearbeitet. Trocknungsrisse und Unregelmäßigkeiten der keramischen Objekte werden Teil der Bildsprache, die auf Brüche und Friktionen des Verhältnisses von Natur und Zivilisation aufmerksam machen will.

In ihrem Langzeitprojekt „Waste Off“ beobachtet Kerstin Quandt die Erscheinungsformen unseres Konsum- und Wegwerfverhaltens, das sie als tragische Artefakte menschlicher Existenz fotografiert und in spontanen Notaten abstrakter Tuschmalereien kommentiert. Die hier gezeigte Serie schwarzer Tuschpinselzeichnungen auf großformatigen Papierträgern ist geprägt von minimalistischer Komposition und Bildsprache. Pointiert skizziert die Künstlerin in ihren mitunter fast piktogrammartig anmutenden Szenerien Ursache und Konsequenz zunehmenden ökonomischen und ökologischen Ungleichgewichts innerhalb der westlichen Gesellschaft.

Die Bedrohung aquatischer Ökosysteme steht im Zentrum mehrerer Werkreihen von Annerose Schulze. Basis ihrer komplexen Kompositionen auf handgeschöpften Papieren sind amorphe Formen und Farbgeflechte des Aquarells. Sie dienen der Künstlerin gewissermaßen als Ausgangspunkt ihrer nun folgenden Collage und Stickerei. Gleich zarten Reliefs schimmern locker gestickte Seidengarnbögen als Kreisformationen und Lineaturen inmitten der weitgehend abstrakten Bildgründe. Mitunter sind es konkrete Grapheme und partiell angedeutete Figurationen, die auf Themen wie Überfischung und hormonelle Belastung in Fließgewässern verweisen.

Geprägt durch eine hohe Diversität in Medium und Bildsprache eint die vier künstlerischen Positionen ihr naturethischer Anspruch, der eine klare Neubestimmung der menschlichen Position innerhalb der ökologischen Kreisläufe fordert.

Vernissage: Montag,den 19.09.2022, 18.00 Uhr

Begrüßung: Annekatrin Klepsch [Bürgermeisterin für Kultur und Tourismus]

Laudatio: Katharina Arlt [Kunsthistorikerin]

Musik: Gabriel Jagieniak [Akkordeon und Gesang]

Montag – Freitag 9.00 – 18.00 Uhr

Vernissage: Donnerstag, den 02.06.2022, 19.00 Uhr

Begrüssung: Annekathrin Klepsch [Bürgermeisterin für Kultur und Tourismus]

Laudatio: Susanne Magister [Kunsthistorikerin]

Musik: Steffen Gaitzsch [Geige] | Nicolle Cassel [Gesang] Christian Morgenstern Lieder vertont von Rainer Lischka

Montag – Freitag 9.00 – 18.00 Uhr

Midissage am Freitag, den 22.4.2022, 19.00 Uhr

Begrüßung: Eva Jähnigen [Bürgermeisterin für Umwelt und Kommunalwirtschaft]

Musik: Gabriel Jagieniak [Akkordeon | Gesang]

Laudatio: Karin Weber [Kunstwissenschaftlerin]

In ihrer vierteiligen Jahresreihe „Natürlichkeiten“ stellen die Dresdner Sezessionistinnen die Mensch-Umwelt-Beziehung ins Zentrum ihrer künstlerischen Auseinandersetzung. Die zweite Ausstellung der Jahresreihe heißt „Verletzlichkeit und Verantwortung“ und zeigt Arbeiten von Bärbel Kuntsche (Jg. 1939), Christiane Latendorf (Jg. 1968), Gerda Lepke (Jg. 1939) und Gudrun Trendafilov (Jg. 1958).

Der Ausstellungstitel umschreibt metaphorisch die Suche nach dem eigenen Selbstverständnis als eine mögliche Art der Emanzipation im Denken auf dem Weg zur Selbsterkenntnis. „…und als ich mich selber trank, war ich zum Schauen erwacht. Da fiel mir Leben zu.“, schrieb Ingeborg Bachmann in ihren Tagebüchern. Die Selbstbilder der vier ausstellenden Künstlerinnen können wie Zustandsbeschreibungen der Seele gelesen werden. Insbesondere der Kopf war innerhalb der Kunstgeschichte immer auch ein Symbol für Intellekt, Seele, Zeitgefühl und Zeitgeist, für Modebewusstsein und Charakter, für Vergegenwärtigung von Heldentum und Herrscherkraft, für Weisheit, Verschlagenheit und Dummheit. Der Kopf ist ein Sinnbild für Verlust und Gewinn, für Versagen und Motivation.

Darauf nimmt Bärbel Kuntsche, die seit vielen Jahren jeden Tag mit einem Selbstporträt beginnt, direkt Bezug. Diese Selbstspiegelungen entsprechen sensibel ihrer jeweiligen Stimmung: kritisch oder empfindsam, freudvoll oder traurig und nachdenklich. Sie weiß um die Polarität von Stille. Die Stille in ihren Arbeiten ist auch mit Temperaturen verbunden, von warm bis kalt – wie zwischen dem Schwarz und Weiß ihrer Holzschnitte der gesamte farbige Kosmos verborgen ist. Man spürt die Sehnsucht, auch in den Gärten und Fensterausblicken, die Balance in einer Welt der Ungewissheiten nicht zu verlieren.

Christiane Latendorf hat es glücklicherweise nicht verlernt, mit Kinderaugen zu sehen und sich überraschen zu lassen. Alles ist möglich! Eine vitale Freude am Machen und ein damit verbundenes, gesteigertes Lebensgefühl kennzeichnen ihre bildnerische Arbeit.  Ihre Malereien sind skurrile, witzig-ironische, liebenswerte, auch absurde Anmerkungen zur Gegenwart, die voll vom Geheimnis der Tage und der Nächte sind.

Gerda Lepke hat Alltagserfahrungen in eigene Mythologien verwoben, so dass diese als Gleichnis zeitlos Bestand haben und lesbar bleiben. Dazu gehören immer wieder Köpfe in ihrer eigenwilligen pointilistischen Handschrift. Bewegung, Leidenschaft und Schwingung zeichnen ihre Kunst aus. Die Kunst, sich ein Bild zu machen, ist ihr Lebensinhalt in einem niemals endenden Kampf, die Sprachlosigkeit zu überwinden. Sie hat sich nicht verloren in den Turbulenzen der Zeit.

Gudrun Trendafilov ist eine Künstlerin figürlich akzentuierter Verinnerlichung. In der Zeichnung ist das Inwendige ablesbar und zeitlos, so dass das allgemeine Unbehagen, das Einsamkeit, Ziellosigkeit und Fremdbestimmung hervorrufen, aufgehoben wird. Alles ist möglich innerhalb der Poesie der Formen, Träume erfüllen sich und der Himmel berührt die Erde.

Die Betrachtenden werden herausgefordert, sich interpretierend in die Arbeiten der vier Künstlerinnen zu versenken, sich selbst zu finden und zu positionieren, um letztlich Mensch zu sein und zu bleiben in einer Zeit, die aus den Fugen geraten zu scheint.

In den darauffolgenden zwei Schauen kreisen die Arbeiten thematisch um Wachstum und Wandel und Ressource und Konsequenz.

Zyklus und Ausbruch 1. Quartalsausstellung der Jahresreihe Natürlichkeiten in der Galerie 2. Stock, Neues Rathaus Dresden vom 2. Dezember 2021 bis zum 25. Februar 2022 Text: Katharina Arlt

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